Un soleado café parisino dentro de un siglo XIX

Jun 05, 2023

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Además: joyería inspirada en el café, una exhibición de cerámica natural y más recomendaciones de T Magazine.

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Por Zoey Poll

Esta primavera, el recientemente renovado Museo Bourdelle en el distrito Montparnasse de París abrió un nuevo y luminoso café-restaurante, Le Rhodia, que lleva el nombre de la hija del escultor francés Antoine Bourdelle. El sobrio comedor amarillo narciso ocupa el segundo piso del estudio de un artista del siglo XIX donde vivieron Rhodia Bourdelle y su esposo, el diseñador de interiores Art Deco Michel Dufet. "Queríamos que se sintiera como entrar en el departamento de alguien", dice Marc-Antoine Servella, cofundador del estudio de arquitectura parisino SAME, quien supervisó el diseño del café. Amueblaba Le Rhodia con una combinación de hallazgos del mercado de pulgas de mediados de siglo y piezas personalizadas encargadas a artesanos franceses en materiales que iban desde el travertino hasta el roble, mientras conservaba algunos detalles originales como una estufa de leña y un gran óculo (diseñado por Dufet en el espíritu de la decoración de la cabina del transatlántico por la que fue más conocido). Los visitantes del museo también pueden cenar al aire libre en la terraza del entrepiso junto a una columnata de bustos de bronce vigilantes. El menú ofrece comida refrescante, con referencias culinarias a la ciudad natal de Bourdelle en el suroeste de Francia y una influencia latinoamericana: un homenaje, dice el chef francés Jean-René Chassignol, a las docenas de estudiantes de Perú, Chile y Argentina que aprendieron con Bourdelle. en estos talleres. Los platos, que se inclinan por el lado más ligero, incluyen un puré de frijoles negros con remolacha en escabeche y nueces de maíz, y empanadas de verduras de temporada. Los pasteles, como el brioche Rhodia con crema de azahar o la Madeleine d'Antoine infusionada con miel y tomillo, se sirven durante todo el día. instagram.com/lerhodia_bourdelle/.

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Por Adriane Quinan

Cuando el artista Juan Pablo Echeverri murió a los 43 años el año pasado, dejó más de 8.000 autorretratos tomados en fotomatones de pasaporte de todo el mundo. Lo que había comenzado como un diario de peinados y piercings se convirtió en un proyecto de arte conceptual a medida que Echeverri evolucionaba como artista. Este verano, una grilla ensamblada a partir de unas 400 de esas fotos se colgará en la Galería James Fuentes en Manhattan; otra ha estado a la vista en Between Bridges, la organización sin fines de lucro en Berlín dirigida por el antiguo empleador de Echeverri, el fotógrafo Wolfgang Tillmans, quien ayudó a comisariar ambas exposiciones.

La repentina muerte de Echeverri a causa de la malaria se produjo justo cuando su carrera se disparaba, con un espectáculo en León, México, y trabajo en la colección del expresidente de su Colombia natal. Pero sería un error ver los retratos como un memento mori sombrío. “No quiero sobrecargar el trabajo”, dice Tillmans, quien prefiere verlo como era Echeverri: astuto, cerebral y autocrítico. El título de la serie de pasaportes, "Miss Fotojapón", combina una broma sobre el pasado fracaso de Colombia en ganar el certamen de Miss Universo con el nombre de una cadena de procesamiento de fotografías. La exhibición en Nueva York también incluye "Identidad Payasa" (2017), una serie de retratos dobles donde el artista compartió lente con payasos callejeros en la Ciudad de México. Primero, Echeverri les tomaba fotos con el disfraz completo, luego les pedía a los payasos que recrearan la mirada en él, una forma de encarnar su posición. Tillmans dice que las fotos muestran cuánto empatizó Echeverri con los payasos: ambos eran artistas, presentaban una actuación visual y usaban máscaras. "¿Deben ser tomados en serio? Obviamente, se están riendo de ellos. Es profundo, pero él jugó con ligereza", dice. "Identidad Perdida" se exhibe del 7 de junio al 29 de julio, jamesfuentes.com.

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Por Michaela Trimble

El grupo hotelero con sede en Texas Bunkhouse, conocido por sus propiedades íntimas y orientadas a la comunidad como el Hotel Saint Cecilia y el Hotel San José en Austin, se ha expandido recientemente con aperturas en Salado, Texas; Louisville, Kentucky y, más recientemente, la Ciudad de México. El Hotel San Fernando se encuentra en Condesa, el barrio conocido por su arquitectura Art Deco y sus extensos parques bordeados de jacarandá. Diecinueve habitaciones ocupan ahora el Edificio San Fernando, un edificio de apartamentos de la década de 1940 cuyos pisos de cerámica color jade y vidrieras se conservaron en una renovación realizada por Bunkhouse y la firma de arquitectura de la Ciudad de México Reurbano. Los arcos de color ciruela bordean un vestíbulo verde salvia, desde el cual los huéspedes ascienden por una escalera de caracol para llegar a las habitaciones. La mayoría de los muebles fueron hechos en México, incluidos muebles de madera contrachapada del estudio de diseño La Metropolitana, lámparas rojas con pantallas de vidrio opaco soplado a mano del estudio de Oaxaca Oaxifornia y obras de artistas locales como Pedro Friedeberg y Ricardo Guevara. Los huéspedes pueden disfrutar de comidas en la azotea, con pasteles como conchas de vainilla para el desayuno y platos pequeños que incluyen tostadas y aguachile a partir del mediodía. Hotel San Fernando abre el 1 de junio; habitaciones desde $215, bunkhousehotels.com.

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Por Becky Malinski

Los diseñadores de Cartier tienen la costumbre de crear joyas preciosas a partir de objetos cotidianos. La colección Juste Un Clou transforma un clavo de construcción en puños y cuellos con incrustaciones de diamantes, mientras que el Cactus de Cartier, un conjunto de cúpulas puntiagudas, imagina la planta del desierto como un anillo de cóctel. La colección Grain de Café continúa esta tendencia, utilizando los granos de café como inspiración para pulseras, aretes, anillos, collares y broches. Creados por la directora de la casa, Jeanne Toussaint, los amuletos con el tema de java aparecieron por primera vez en los diseños de la casa en 1938. El Príncipe Rainiero III le regaló a Grace Kelly un juego de café para su boda en 1956, y su collar, tachonado con pequeños colgantes de frijoles dorados, sirvió como una referencia para los nuevos diseños. Este junio, la compañía presenta seis piezas nuevas a la colección, desde una cadena estilo cuerda ensartada con cinco frijoles agrupados hasta un anillo de dos tonos con frijoles colgantes con puntos de diamantes. Todos están diseñados para moverse ligeramente, emitiendo un tintineo energizante. Desde $7,250, cartier.com.

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Por Katherine McGrath

La ceramista francesa Ludmilla Balkis primero comenzó a moldear arcilla en macetas, botellas y tazones como una forma de dejar atrás su antigua vida en la moda. Inspirada en el delicado trabajo de la escultora británica Lucie Rie, quería encontrar un ritmo creativo natural libre. de la directiva para producir en un horario fijo. Balkis se había formado como diseñadora de moda y trabajó con Phoebe Philo en Celine en Londres; comenzó a hacer cerámica en 2015. Sus estructuras delgadas como el papel, esculpidas con arcilla marrón rojiza que recolecta de la costa francesa y mezcla con arena para lograr una textura más áspera, desafían la fuerza de la gravedad y amenazan con derrumbarse. Los artículos que encuentra en largos paseos por la naturaleza en el País Vasco francés, donde tiene un estudio, a menudo se incorporan a las piezas. En su última exposición, "Stasis", a la vista a partir de la próxima semana en Roman and Williams's Guild Gallery en Nueva York, una palangana de gres lijado blanco está impresa con ramitas, mientras que un trío de vasijas con forma de linterna tienen bordes sin terminar salpicados de ceniza de madera seca. "En cierto modo, los movimientos y las técnicas [entre la cerámica y la moda] son ​​similares", dice Balkis. "Cubrir un maniquí con tela consiste en tirar y sujetar el material para crear un diseño tridimensional. En cerámica, repito intuitivamente ese proceso: estoy creando alrededor de un espacio vacío, pero trabajo en él como si fuera un cuerpo imaginario". "Stasis" estará a la vista desde el 9 de junio hasta el 15 de julio, rwguildgalleryny.com.

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Por Mónica Mendal

La diseñadora de novias Danielle Frankel Hirsch ha diseñado previamente colecciones de joyas de perlas para acompañar las blusas de seda con cuello halter y los vestidos de tul que crea para su marca, Danielle Frankel. Pero como parte de su misión de cambiar las tradiciones nupciales en nuevas direcciones, Frankel Hirsch eligió un medio menos esperado para sus últimos accesorios. "Empecé con la pregunta 'Si pudiéramos moldear flores [en arcilla], ¿cómo sería eso?'", dice ella. Comenzó a buscar referencias y encontró imágenes de flores marchitas que originalmente estaban impresas en tarjetas de cigarrillos y habían sido digitalizadas como parte de la Colección George Arents en la Biblioteca Pública de Nueva York. Luego descubrió a un artesano con sede en Ucrania cuya especialidad es crear esculturas florales realistas, utilizando arcilla moldeada sobre un marco de alambre. Frankel Hirsch ahora vende una variedad de flores, que incluyen aretes de anémona lavanda y magnolia rosa, y broches de lirio y rosa. Ella espera que las novias aprecien que cada diseño es ligeramente diferente de los demás y, a diferencia de un ramo, se pueden conservar para siempre. Desde $1,250, daniellefrankelstudio.com.

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