Rose B. Simpson piensa en arcilla

Jul 17, 2023

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"La arcilla era la tierra que cultivaba nuestra comida, era la casa en la que vivíamos, era la cerámica en la que comíamos y rezábamos", dice el escultor nativo americano y estrella en ascenso.

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Por Jori Finkel

ESPAÑOLA, NM — La artista Rose B. Simpson estaba sentada en su Chevy El Camino de 1985 dentro de su taller de metalurgia, tratando de encender el auto. Abrió el capó, encendió el motor y luego pisó ligeramente el acelerador. Después de repetir esto varias veces, el auto comenzó a retumbar con fuerza.

No era su auto de todos los días, sino más cercano a una obra de arte que ha hecho en los últimos 10 años, aquí en el autoproclamado capital mundial del lowrider. Simpson reparó grandes abolladuras aprendiendo a dar forma al metal en una escuela de carrocería. Reemplazó el motor con uno que compró en una tienda de carreras en Phoenix. Y pintó el exterior con un diseño geométrico negro sobre negro, brillante y mate, y nombró al auto María en homenaje a la célebre alfarera Tewa María Martínez del Pueblo de San Ildefonso, quien murió en 1980.

"María es lo más cerca que he estado de hacer cerámica tradicional", dijo Simpson, de 38 años, miembro inscrito del Pueblo de Santa Clara (Kha'po Owingeh), con sede justo al sur de Española. Ella pertenece a una larga línea de ceramistas que se remonta a cientos de años. Pero en lugar de hacer la cerámica resistente, brillante, roja o negra, por la que su pueblo es conocido, está ganando reconocimiento en el mundo del arte por sus poderosas figuras andróginas de arcilla, a menudo con adornos de metal que parecen joyas, armaduras o ambos.

Después de presumir a María ("Tengo que trabajar en la inactividad"), Simpson cruzó un patio hacia su estudio de cerámica en la propiedad, una pequeña estructura de adobe con un "cuarto limpio" para coser y dibujar en la parte trasera. Una docena de sus figuras tiernas y feroces estaban de pie al frente, apiñadas. Algunos llevaban collares de cuentas mientras que otros esperaban ser adornados con piezas de automóviles (engranajes de metal y discos de freno) como una banda variopinta de guerreros preparándose para la batalla.

Varias de estas esculturas, a las que ella llama "seres" o "ancestros", ahora se dirigen a los museos de la costa este: 11 obras recientes al ICA Boston en agosto y una nueva comisión al Fabric Workshop and Museum en Filadelfia en octubre. Y el 18 de junio, una serie de 12 esbeltas figuras de hormigón fundido presidirán una propiedad en Williamstown, Massachusetts, conocida como Field Farm, como parte de un programa de arte público dirigido por el grupo conservacionista The Trustees.

Llamadas "Contracultura", las figuras parecidas a hermas de nueve pies de altura tienen una presencia de otro mundo gracias a un sorprendente efecto visual: Simpson ha tallado agujeros para los ojos que van hasta la parte posterior de sus cabezas, dejando que la luz, o la vida - fluye a través.

“Cuando veas pasar la luz por sus ojos, será como si el cielo te estuviera viendo a ti”, agregó la artista, explicando que estaba pensando en la explotación global de los recursos naturales. "Quería darle la vuelta a este guión para que esos recursos te observaran de una manera intimidante".

Preocupada de que la cerámica a esta escala pudiera ser frágil, Simpson hizo sus moldes para "Contracultura" tallando versiones de tamaño completo en madera. Pero incluso estos trabajos comenzaron con maquetas de arcilla.

"Creo que en arcilla", dijo. "La arcilla era la tierra donde crecía nuestra comida, era la casa en la que vivíamos, era la cerámica con la que comíamos y rezábamos. Así que mi relación con la arcilla es ancestral y creo que tiene una profunda memoria genética. Es como un miembro de la familia. para nosotros." Recuerda haber visto a su bisabuela, la artista Rose Naranjo, hablándole a su arcilla, y dijo que su madre, Roxanne Swentzell, aprendió a esculpir figuras como un mediocomunicarse mucho antes de hablar.

Mientras que Swentzell hace esculturas bellamente suaves de mujeres indígenas involucradas en actividades cotidianas, Simpson tiende a poner las cosas en bruto. Deja las superficies de sus figuras irregulares y agrega adornos en metal, cuero y otros materiales para crear, en palabras de la curadora de Los Ángeles Helen Molesworth, "una vibra ruda de 'Mad Max', 'Blade Runner'".

Molesworth vio por primera vez el trabajo de Simpson en 2019 en el Wheelwright Museum of the American Indian mientras estaba de vacaciones en Santa Fe. Estaba tan sorprendida por la "mezcla de diferentes texturas, suaves y duras" que dijo que se preguntaba si no estaría simplemente "divertida en las vacaciones". De vuelta a casa, todavía estaba fascinada y decidió presentar a Simpson en una exposición colectiva, "Feedback", el verano pasado para el galerista de Nueva York Jack Shainman. El próximo año Simpson tendrá una exposición individual con Shainman y otra en San Francisco con su galería de tres años, Jessica Silverman. (Los galeristas no proporcionaron el rango de precios del trabajo de Simpson).

Molesworth compara a Simpson con los artistas Simone Leigh, Wangechi Mutu y Karon Davis, quienes han inyectado nueva vida a la tradición de la escultura figurativa occidental, con su fuerte énfasis en los memoriales y monumentos. "La mayoría de las esculturas figurativas ofrecen un cuerpo que es impermeable, fuerte, poderoso", dijo. "Pero para estas mujeres el cuerpo también tiene cierta cualidad de intimidad o vulnerabilidad. Creo que eso es inusual de ver". En el caso de Simpson, agregó, la arcilla juega un papel importante: "Hay fragilidad y vulnerabilidad en el material".

Mientras Simpson trabaja en Española en una propiedad familiar, vive con su hija pequeña en Santa Clara Pueblo, donde creció. Fue criada allí principalmente por su madre después del divorcio de sus padres. Dijo que su padre, un artista blanco, la llevó a escalar rocas y le enseñó a navegar en un embalse local. "Tenía tiempo para jugar conmigo, mientras mi mamá sobrevivía", dijo, describiendo la situación como "extrema pobreza". Luego elogió el ingenio de su madre y su "profunda relación con la tierra".

"Cultivábamos la mayor parte de nuestra comida. Nos comíamos a nuestras mascotas", dijo, mencionando pavos, pollos y cerdos. También recordó a su madre haciendo sus zapatos a mano: cortando neumáticos reventados rescatados del vertedero con una sierra de vaivén y luego cosiendo correas de cuero a la goma.

Simpson fue educada en casa hasta la escuela secundaria, cuando asistió a la Santa Fe Indian School, se unió al comité del anuario y llenó el libro con dibujos de sus compañeros de clase en estilos inspirados en sus artistas de historietas favoritos, incluidos Los Bros Hernandez de "Love and Rockets". ." Después de la universidad en Albuquerque y Santa Fe, pasó a la Escuela de Diseño de Rhode Island para obtener una maestría en bellas artes. Allí descubrió que sus esculturas más pulidas y realistas eran "un lenguaje visual que otras personas no hablaban ni entendían".

Un punto de inflexión se produjo durante un viaje escolar en 2010 a Kashihara, Japón. El encuentro con las tradiciones estéticas japonesas que valoran la aceptación del proceso por encima de la perfección de la forma —y no distinguen entre arte y artesanía— la ayudó a pensar más seriamente sobre el legado creativo de su pueblo y el suyo propio. "Fui arrojada a un mundo en el que era completamente incapaz de comunicarme, lo que para mí no era diferente al mundo del arte occidental", dijo. "Me di cuenta de que mi obra de arte tenía que volverse mucho más específica y clara".

Su claridad vino en forma de una técnica que ideó y que ella llama "slap-slab", que todavía usa hoy en día junto con los métodos tradicionales de alfarería. Se trata de arrojar una losa de arcilla de lado sobre un piso o una mesa hasta que sea muy delgada, tal vez un dieciseisavo de pulgada. Luego arranca los pedazos a mano y los pega entre sí, con un efecto que se asemeja al papel maché. "Puedes ver las costuras, los pellizcos, las huellas dactilares, todo", dijo.

Slap-slab abraza la imperfección y la intuición. "Si puedes entrar en un lugar intuitivo, creo que realmente puedes hacer cosquillas en el lugar intuitivo de los demás". También le dio una metáfora para aprender a aceptarse a uno mismo, con bultos y todo, o "desarrollar un músculo de aceptación y encontrar compasión por las partes más descuidadas y complicadas de nosotros mismos".

Hace casi seis años, Simpson se convirtió en madre soltera, lo que también ha dado forma a su trabajo. Como formas huecas de arcilla, sus esculturas ya eran vasijas hasta cierto punto, pero ahora juega explícitamente con la noción del cuerpo femenino como vasija, un vehículo de alimentación. Algunas de sus figuras se han vuelto más redondas y llevan bebés sobre sus hombros. Uno que apareció en "Feedback" está repleto de niños, unidos por una armadura de acero que parece a partes iguales una jaula y un gimnasio de la jungla. Sus rostros se asemejan al de la artista y su hija. "No puedes contar la historia de otra persona. Solo puedes contar la tuya", ofreció.

Si bien considera que su trabajo es espiritual, Simpson tiene cuidado de no compartir detalles sobre las prácticas o creencias religiosas del Pueblo de Santa Clara. “Los nativos han estado sujetos a tantos estereotipos que tengo que tener mucho cuidado con eso. Hemos visto a lo largo de la historia cómo el trabajo espiritual simplemente se come, se escupe y se explota”, dijo. "La gente ha sido expulsada de la tribu por hacer arte que hace referencia a una creencia espiritual específica".

Ha desarrollado su propio sistema simbólico, con signos "+" para marcar los cuatro puntos cardinales, lo que sugiere un viaje, y signos "x" para representar "protección". (¿De qué? "Fuerzas negativas", dijo.) Los signos están tatuados en sus dedos y aparecen en sus esculturas.

Luego están las atrevidas joyas que decoran sus esculturas. Miranda Belarde-Lewis, académica y curadora de Zuni/Tlingit que enseña en la Universidad de Washington, lo ve como una forma de que Simpson transmita tanto la identidad ancestral como la individual. "La fuerza que aprendió de su madre, la fuerza de ser ella misma como mujer Pueblo, se manifiesta con tanta fuerza en sus obras de arte", dijo. "Puedes ver esta confianza en la expresión desafiante de sus rostros, pero también en la cantidad de joyas que usan y el tamaño de sus aretes", dijo, y agregó: "Eso es algo importante en las comunidades nativas: amamos nuestros aretes. "

La idea de "Contracultura", que estará disponible durante un año, es una cascada de collares de cuentas. Habiendo hecho algunos ella misma, Simpson también invitó a la banda comunitaria de indios mohicanos de Stockbridge-Munsee, en cuya tierra ancestral se asienta Field Farm, a hacer collares de cuentas con arcilla de su tierra para adornar sus cuerpos esculpidos. Su plan es agregar más collares de comunidades indígenas a medida que las figuras viajan.

“Dondequiera que vayan, me conectaré con las personas cuya patria ancestral está allí para construir una especie de relación”, dijo. "Muchas tribus han sido reubicadas, desplazadas de sus propias tierras. Así que quería tener la oportunidad de devolverles la arcilla".

Una versión anterior de este artículo identificó erróneamente la ubicación del Taller y Museo de Telas. Está en Filadelfia, no en Pittsburgh.

Cómo manejamos las correcciones

Jori Finkel es una reportera que cubre el arte de Los Ángeles. También es editora colaboradora de la costa oeste de The Art Newspaper y autora de "It Speaks to Me: Art that Inspires Artists".

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