Diario de Arte Junio ​​2023

Sep 26, 2023

5 de junio de 2023 • Compartir —

El Diario de Arte de junio incluye a Gwen John, Marc Chagall, Louis Carreón, Peter Howson, Laura Knight, Cecilia Vicuña y Yun Hyong-keun.

La conversión de Gwen John al catolicismo en 1913 y su efecto en su arte aún no se ha reconocido por completo, pero 'Gwen John: Arte y vida en Londres y París' en Pallant House representa otro paso en el camino. La conversión de John significó que ella buscara nuevos métodos para dar vida a la fe en su arte. El arte y la fe ya se estaban explorando en gran medida en París y, en el prólogo del catálogo de su exposición individual en Londres en 1926, citó al destacado artista religioso francés moderno, Maurice Denis, que había defendido la unión del arte y el catolicismo. en formas experimentales. También admiró el trabajo de Georges Rouault, el preeminente artista católico romano de su tiempo, y de Paul Cezanne, quien buscó explorar el elemento eterno del Universo, el "Pater Omnipotens Aeterna Deus". Además, en Meuden, donde vivía, era vecina del filósofo católico Jacques Maritain (quien regularmente organizaba círculos de estudio en su casa a los que asistían importantes artistas), siendo íntima amiga de su cuñada Véra Oumançoff.

John también había sido influenciado por el poeta Rainer Maria Rilke, quien trabajó durante un tiempo como asistente de Auguste Rodin. Se conocieron en el estudio de Rodin en el siglo XX y se hicieron amigos. En sus escritos, Rilke "buscó restaurar el espíritu del materialismo occidental", alentando "una mayor conciencia de cómo vivir con el mundo tal como es, de cómo conservar un sentido de trascendencia dentro de un mundo de certeza espiritual colapsada". John poseía varios libros sobre Rilke y, después de su muerte en 1926, ella continuó dirigiéndose a él en sus notas privadas, escribiendo: "¡Rilke! ¡Toma mi mano!... Enséñame, inspírame" y, en 1931, "Estoy tranquila". y tranquilo, ¿no es así? ¿Cuando pienso en Rilke o en mi obra?

John escribió de sí misma como "la pequeña artista de Dios" y de entrar "en el arte como se entra en la religión". La atención que prestó tanto a los temas de sus pinturas al óleo de evolución lenta como en los bocetos rápidos que hizo de la gente local en la iglesia parece, para ella, equipararse con la oración. Se veía a sí misma como una criatura sensual incapaz de orar por mucho tiempo pero, inspirada en el 'Caminito' de Santa Teresa de Lisieux, que describe cómo se puede hacer la cosa más pequeña en el nombre de Dios, escribió que ella debe ser una santa en su trabajo. Lo que pudo expresar en su obra, escribió, fue el "deseo de una vida más interior". En consecuencia, su arte medita en silencio sobre la belleza de la existencia cotidiana de manera que, en lugar de ubicar su obra junto a la de los artistas del renacimiento católico francés, la ubica con Jean-Baptiste Simeon Chardin, Giorgio Morandi y Vilhelm Hammershøi.

Marc Chagall, quizás el principal intérprete visual de la Biblia en el siglo XX, fue uno de esos artistas que conectaron particularmente con Maritain. Su visión del Antiguo Testamento combina su herencia judía con el arte moderno, ofreciendo un rico despliegue de símbolos e imaginación. "Desde mi temprana juventud, me ha fascinado la Biblia", dijo Chagall: "siempre me ha parecido, y me sigue pareciendo, que es la mayor fuente de poesía de todos los tiempos. Desde entonces, he busqué este reflejo en la vida y en el arte. La Biblia es como un eco de la naturaleza y este secreto he tratado de transmitir". aguafuertes que juntos constituyen un conjunto de trabajos para la Biblia de Marc Chagall (1932–39, 1952–56), un proyecto monumental que abarca 25 años. También se incluyen las 42 imágenes de colores brillantes de sus series de litografías bíblicas de 1956 y 1960, impresas por Mourlot y publicadas en París por Tériade para Verve como ediciones especiales dedicadas exclusivamente a las litografías originales de Chagall.

Louis Carreón y Peter Howson nos brindan ejemplos más contemporáneos de artistas de inspiración religiosa. Con experiencia en tagging, rap, skate y surf, Carreón, nacido en California, es un artista callejero que está probando la historia del arte y su iconografía religiosa. Inspirándose en el hip hop, Carreón se basa en imágenes apropiadas de personajes como El Greco, Gian Lorenzo Bernini, Peter Paul Rubens y Michelangelo Merisi Caravaggio para perturbar y volver a presentar imágenes de los grandes de manera que los jóvenes puedan identificarse. Dice que le encanta "la idea de pinturas angustiosas; tomar pinturas y pintar sobre viejos pensamientos con nuevas ideas, agregar lenguaje y usar formas basadas en plantas, vibraciones chamánicas, graffiti y movimiento". delitos relacionados, Carreón encontró la paz a través del arte y una limpieza de su alma y mente, lo que lo llevó a superar la adicción y sumergirse en el arte. Su primera exposición en un museo federal se basa en sus raíces mexicano-estadounidenses, su aprecio por los chamanes de México y una visita inspiradora a Shambalanté en la selva de Yucatán. En las pinturas expuestas, dialoga con la obra de Frida Kahlo y utiliza plantillas de formas naturales, como piedras, palos, flores y palmeras, para explorar la industrialización agrícola de las tierras indígenas. Howson tiene una visión apocalíptica de la violencia y el conflicto constantemente. experimentado dentro de las sociedades humanas, y su retrospectiva en el City Art Centre de Edimburgo reúne alrededor de 100 obras que abarcan la carrera del artista, muchas nunca antes vistas en Escocia. Sus representaciones heroicas de los poderosos y los humildes confrontan temas de conflicto y destrucción humanos que ofrecen una visión penetrante de la condición humana. Sus propias experiencias de abuso, ya sea autoinfligido y relacionado con sustancias o los eventos traumáticos de su infancia, moldearon su visión del mundo y le brindaron una afinidad con las personas en los márgenes de la sociedad. En 1993 fue nombrado Artista Oficial de Guerra en Bosnia por el Imperial War Museum, patrocinado por The Times, y una sección de la exposición está dedicada a esta experiencia traumática y desgarradora.

Estas experiencias traumáticas lo llevaron a las profundidades de la desesperación y, con su vida en un punto muy bajo, Howson se acercó a Dios y experimentó un momento que le cambió la vida. Muchas de las obras expuestas en el segundo piso de la galería están inspiradas en su viaje de fe en curso, incluida su serie 'Estaciones de la Cruz'. Su fe ha obligado a Howson a seguir respondiendo a los acontecimientos contemporáneos a su manera única. La pandemia de Covid-19 y la guerra en curso en Ucrania son temas que explora en pinturas y obras sobre papel recientes. El último piso de la exposición incluye importantes obras fundamentales de la última década, como 'Prophecy' y 'Babylon', así como una nueva serie de pinturas apocalípticas en tinta repletas de temibles bestias y figuras grotescas. La Galería Ben Uri en St John's Wood, Londres, también muestra una obra importante de Howson como parte de dos exposiciones cortas y enfocadas con un tema común, 'Un roce con el mal', que exploran el trauma de la Segunda Guerra Mundial y sus consecuencias. 'Holocaust Crowd Scene II' es un lienzo monumental que ofrece una representación visceral e inquietante del horror y la brutalidad de los campos de concentración nazis al representar a los prisioneros judíos en diversas actitudes de dolor, sufrimiento y lamentación. Su estructura y composición hacen referencia a la imaginería clásica y cristiana, como la 'Masacre de los Inocentes' de Rubens y las representaciones del Cristo muerto (o pietà), que subrayan poderosamente el martirio de los prisioneros. Su exhibición será seguida por la proyección de Dame Laura Knight's dos poderosos y perspicaces trabajos preparatorios para la pintura 'Prisoners in the Dock at the Nuremberg Trial', que se encuentra en exhibición permanente en el Imperial War Museum y fue creado durante uno de los juicios más importantes de la historia moderna. Knight, una de las artistas más distinguidas del siglo XX, fue la segunda mujer en ser elegida miembro de pleno derecho de la Royal Academy, la primera mujer en ser honrada con una retrospectiva completa en la Royal Academy y la única mujer en ser nombrada. como artista de guerra oficial en ambas guerras mundiales. Célebre por sus representaciones del circo, el ballet y la comunidad romaní, Knight abrazó el realismo y el impresionismo inglés durante su larga y distinguida carrera. A la edad de 68 años, fue nombrada artista de guerra oficial de Gran Bretaña para los juicios y se le otorgó acceso excepcional a la sala del tribunal de Nuremberg. Desde el palco de la prensa estadounidense, capturó el intenso drama y la emoción del juicio de 22 notorios criminales nazis.

Las obras de Knight también se pueden ver en 'Essence of Nature' en la Galería Laing de Newcastle, que presenta la oportunidad de ver alrededor de 100 óleos y acuarelas de artistas destacados de las escuelas prerrafaelita, naturalista rural e impresionista británica. Como tal, complementa 'The Rossettis: Radical Romantics' en la Tate Britain. La exposición comienza con el ideal de los prerrafaelitas de 'verdad a la naturaleza', representado por artistas como William Holman Hunt, John Ruskin y William Dyce. Ruskin propuso que los artistas deberían apuntar a registrar la naturaleza, "no rechazar nada, seleccionar nada y despreciar nada". Él creía que "lo más grande que un alma humana puede hacer en este mundo es ver algo y decir lo que vio de una manera clara". "Ver claramente", dijo, "es poesía, profecía y religión, todo en uno". El arte es, pues, una expresión del "amor y de la voluntad de Dios", a la que accedemos ante todo mirando de cerca el esplendor de la naturaleza. La exposición incluye el estudio de Ruskin de 'Spray of Dead Oak Leaves' y su vista de la montaña en el lugar en Mer de Glace, Chamonix, Francia, de 1860. Otras obras prerrafaelitas clave incluyen las acuarelas de Holman Hunt 'View of Nazareth y The Plain of Rephaim from Zion, Jerusalem' y 'Cornfield at Ewell', así como 'Henry VI at Towton' y 'George Herbert' de Dyce, y 'The Lake of Lucerne: Mont Pilatus in the Distance' de William Inchbold.

Desde recintos efímeros hasta delicadas instalaciones florales, '[SHELTER]' de Anna Masters en el Museo Spazio Pubblico, Bolonia, reúne un nuevo cuerpo de obras que abarca dos sitios: la galería del museo y un terreno baldío adyacente. Adoptando el motivo de la flora endémica, '[SHELTER]' presenta preguntas sobre cómo habitamos el lugar: las relaciones que tenemos con la tierra, la dicotomía entre espacios públicos y privados, y la performatividad del lugar. Dentro de la galería, Masters presenta instalaciones suspendidas y basadas en paredes de hojas y pétalos de plantas nativas, una oda poética y sensible al paisaje natural. Junto a estos hay intervenciones escultóricas, ecosistemas en miniatura, construidos con desechos recolectados del vecindario local, imaginando una relación más simbiótica con el mundo natural. En el exterior, se invita al público a entrar en recintos íntimos, refugios florales de tela translúcida elaborados con materiales y tintes naturales. Dentro de estas exhibiciones, vemos un colapso de las normas aceptadas del lugar, ya que el exterior ofrece un santuario privado mientras que la galería se llena cada vez más de flora en una instalación 'en crecimiento'. 'Sonoran Quipu' es una escultura en expansión compuesta de desechos naturales y humanos. recopilados por individuos y organizaciones en todo Tucson, recolectados de cocinas, alcantarillas, estudios de artistas, jardines y calles. Al transformar el museo en un estudio, la artista y poeta Cecilia Vicuña alquimizó estos fragmentos, cosas que ya no se consideran útiles, en una instalación viva. La exposición también incluye elementos que ofrecen una pequeña ventana a la amplitud de la práctica de Vicuña: tres videos, una pieza de sonido, una pequeña biblioteca y los vapores de actuaciones, rituales y relaciones que Vicuña creó mientras estuvo en Tucson. 'Sonoran Quipu' siente la fragilidad de nuestro mundo a medida que el cambio climático nos inclina hacia la extinción masiva. Entrelazando materiales vegetales e industriales, el artista invita a los espectadores a considerar la belleza y la precariedad de nuestro mundo y nuestra relación interconectada con el medio ambiente y entre nosotros. El 'Sonoran Quipu' combina las formas escultóricas características del artista: el quipu monumental y el precario. Un quipu ("nudo" en quechua) es una antigua tecnología de comunicación andina que utiliza cuerdas anudadas para registrar información y fue prohibida por los españoles durante la colonización de América del Sur. Vicuña reinventa el antiguo sistema quipu, incorporando materiales contemporáneos para resaltar su capacidad para conectar mundos y personas. Los precarios escultóricos del artista son descritos por el artista como simultáneamente "a punto de suceder" y en un estado constante de disolución. El precario efímero y el universo delicado del quipu se componen de materiales percibidos como desechables, recuperando sentido del desecho. Esta nueva comisión amplía los temas ecológicos y cósmicos en el centro de la práctica de vida de Vicuña.

Hastings Contemporary acoge la primera exposición en una galería pública del Reino Unido de obras de Yun Hyong-keun, una de las principales figuras del arte coreano. Yun explicó que: "La tesis de mi pintura es la puerta del cielo y la tierra. El azul es el color del cielo, mientras que el ámbar es el color de la tierra. Por lo tanto, los llamo 'cielo y tierra', y la puerta sirve como composición." La muestra explora la génesis de 'la puerta del cielo y la tierra' en su obra, con varias obras que muestran su ampliación gradual hasta casi desaparecer con la obra de cierre -del año de la muerte de Yun en 2007- realizada en 'Burnt Umber and Ultramarine Blue' (1999 y 2007), en el que el 'cielo' es suprimido casi por completo por la 'tierra'. como Agnes Martin o el expresionismo abstracto de Rothko. La muestra demuestra este punto con las pinturas de Yun que reflejan su propia cultura y generan comparaciones con artistas clave en el canon de la abstracción estadounidense y europea del siglo XX. El concepto de silencio creado por el trabajo de Yun, particularmente a través de la interpretación de puertas o portales como vacíos, también convierte el espacio de la galería en una capilla o templo. La ventana que da al casco antiguo ha sido velada, al igual que los tragaluces, para realzar el poder meditativo de las pinturas individuales. Esto permite que el espectador sea absorbido por la sutil gama de tonos que, al examinarlos más de cerca, revelan la mezcla de ultramar y ámbar a través de la mezcla de los dos colores. Usando las acciones rituales de tejer, anudar, enrollar y desenrollar para explorar la escultura posibilidades de los textiles, la artista coreana Soojin Kang transubstancia las materias primas en estructuras que retienen rastros inconfundibles de sus orígenes bióticos. En sus manos, los textiles actúan como capilares generando la fuerza vital de los extraños organismos que ella crea a partir de lino, yute y seda teñidos a mano. Construidas a partir de telas envueltas, tejidas, atadas y envueltas alrededor de armaduras de acero, sus esculturas de formas emergentes, tótems y bustos que hacen eco, aparecen como reliquias de una horda de ofrendas a dioses olvidados. Algunos se asemejan a partes del cuerpo truncadas; otros abstracciones distendidas de materia orgánica; todos se paran sobre pedestales que presagian las proporciones de los cuerpos debajo de su escala. En las propias palabras del artista, la obra "parece como si hubiera estado allí desde siempre", elidiendo artefactos y fragmentos similares a organismos de estatuas antiguas. Con sus cuerpos tejidos, crecimientos fibrosos se adhieren a los torsos, hilos desenredados brotan de una cabeza caída; aquí, la demarcación entre el interior y el exterior es desordenada y frágil, y las emociones se encarnan antes de expresarse.

'Disability and the Divine' en la Catedral de Peterborough muestra el trabajo del nuevo artista Marc Bratcher, que busca volver a imaginar a la Virgen María, explorando cómo la discapacidad física se relaciona con la teología, la historia, el arte, la paternidad y otros temas en el siglo XXI. 'Disability and the Divine' es parte de un proyecto para iniciar una nueva conversación sobre el pasado y el futuro y llevar imágenes de la discapacidad y la Virgen María a tantas iglesias y catedrales como sea posible. Bratcher explica: "Durante muchos siglos, ha existido una tradición de representar figuras clave del cristianismo de formas que reflejan diferentes perspectivas culturales. De hecho, toda la historia del arte occidental es parte de esto, presentando una visión muy europeizada. Sin embargo, la discapacidad ha estado en gran parte ausente del registro histórico y artístico. Espero ofrecer algunas nuevas perspectivas". Como artista severamente discapacitado con parálisis cerebral, Bratcher combina las tecnologías disponibles en un experimento continuo para empujar las barreras de la creatividad. Su práctica involucra una amplia variedad de disciplinas, que incluyen pintura digital, fotografía e inteligencia artificial de última generación. Maureen Paley presenta una nueva exposición de la reverenda Joyce McDonald, la primera exposición individual que el artista ha tenido con la galería. McDonald, una artista y activista multidisciplinaria, comenzó a trabajar con arcilla en la década de 1990 y fue ordenada como ministra en 2009. En sus obras escultóricas, consagra sus propias narrativas personales: vivir con el VIH desde 1985 y experiencias culturales más amplias de familia, amor, pérdida, enfermedad, curación, transformación y trascendencia. McDonald es un miembro artista de Visual AIDS desde hace mucho tiempo. McDonald trabaja tanto con cerámica vidriada como con arcilla seca al aire, y a menudo detalla sus esculturas figurativas con materiales disponibles, que incluyen pintura acrílica, rotuladores, brillantina, tela, pestañas postizas y cuentas. Realizadas a escala artesanal íntima, las obras de la exposición adoptan la forma de bustos, esculturas de cerámica con forma de vasija, figuras agrupadas e individuales y relieves en las paredes. A menudo conmemorando eventos en la propia vida de McDonald's, así como en el mundo en general, las esculturas recientes se muestran junto con otras realizadas durante la década de 1990. Juntos, marcan caminos tanto personales como colectivos, honrando la búsqueda de la justicia social y conmemorando las vidas perdidas por el racismo sistémico y la violencia policial.

Finalmente, 'Hospitalidad, Paz y Reconciliación' es una exhibición en celebración del 50 Aniversario del Centro Ammerdown en Somerset. Artistas inspirados en el tema Paz y Reconciliación presentan pinturas, collages y trabajos en 3D, desde 'cajas nido' hasta cerámica, así como arte digital y música. Comparten el deseo de comunicar sobre la difícil situación de la creación y los refugiados y el deseo de construir la paz y la comunicación dentro de un mundo cada vez más fracturado. La exposición busca reflejar los valores de Ammerdown y comunicarlos de diferentes maneras, enfoques y medios. Los artistas contribuyentes incluyen a Nicola Clarke, Jane Eaton, Paul Fine, Viv Meadows, Lilith Piper, Tracey Quinn, Rev Jane Sheppard, LizBeth Spurgeon, Lorna Thomas, Jo Waterworth, Simone Woolerton y Suzanne Woodward. Martin Clark, director del Centro de Artes de Camden, ha escrito sobre Piper que sus obras "se basan en una rica historia de imágenes folclóricas, mágicas y mitológicas" y "operan como imágenes y objetos poderosos y poéticos, que fluyen y parpadean como algo sin forma, sonidos fluidos de una canción, recuperada de un patriarcado represivo del que eran a la vez sujeto y objeto, un viaje fuera del Edén contado por una nueva Eva".

'Gwen John: Art and Life in London and Paris', Pallant House Gallery, Chichester, del 13 de mayo al 8 de octubre de 2023 Visite aquí 'Marc Chagall and the Bible', Wycliffe College, Toronto, del 16 de mayo al 15 de octubre de 2023 Visite aquí

'Louis Carreón: Redención', Teatro Peon Contreras, Yucatán, México, 4 de mayo - 4 de agosto de 2023 Visite aquí 'When the Apple Ripens: Peter Howson at 65: A Retrospective', City Art Centre, Edimburgo, 27 de mayo - 1 de octubre de 2023 Visite aquí 'A Brush With Evil', Galería Ben Uri - Peter Howson, 14 de junio - 14 de julio de 2023; Laura Knight, del 26 de julio al 1 de septiembre de 2023 Visite aquí 'Essence of Nature: Pre-Raphaelites to British Impressionists', Laing Gallery, Newcastle, del 27 de mayo al 14 de octubre de 2023 Visite aquí '[SHELTER]', Museo Spazio Pubblico, Bologna, 29 Junio ​​– 29 julio 2023 Visite aquí 'Cecilia Vicuña: Sonoran Quipu', Museo de Arte Contemporáneo Tucson, Arizona, 27 enero – 10 septiembre 2023 Visite aquí 'Yun Hyong-keun', Hastings Contemporary, 10 junio – 1 octubre 2023 Visite aquí ' Soojin Kang: To Be You, Whoever You Are', Gathering, Londres, 11 de mayo - 17 de junio de 2023 Visite aquí 'Disability and the Divine', Catedral de Peterborough, 16 de mayo - 7 de julio de 2023. Visite aquí 'Reverend Joyce McDonald', Maureen Paley, Studio M, Londres, del 1 de junio al 30 de julio de 2023 Visite aquí 'Hospitality, Peace and Reconciliation', The Ammerdown Centre, del 1 de junio al 16 de julio de 2023 Visite aquí

Palabras del reverendo Jonathan Evens ©Artlyst 2023

Leer más